MONET Claude - La plage de Trouville, 1870

     Claude Monet et Camille ne se quittent plus : leurs journées se partagent entre leur vie de couple et la peinture. Travail et amour se confondent. Le fruit de cet amour, Jean, aura bientôt trois ans. Monet croque inlassablement son modèle favori : en buste, assise en bord de Seine enveloppée de reflets colorés, à table faisant manger l’enfant…

     C’est décidé !

    Malgré la désapprobation de son père, Claude Monet veut régulariser sa liaison. Le 18 juin 1870, à la mairie du 17^e arrondissement à Paris, il se marie civilement avec Camille. Le célèbre peintre Gustave Courbet est venu et signe le registre. Seuls les parents de Camille Doncieux assisteront à la cérémonie ; le père de Monet est resté en Normandie.

     La douce et discrète Camille est devenue officiellement madame Monet.

    C’est l’été. Jeunes mariés, ils envisagent un voyage de noces… Pourquoi pas Trouville proche de chez le père de Monet ? Acceptera-t-il de rencontrer sa belle-fille et son petit-fils Jean ?

    Il fait si beau. Monet aime cette côte normande. Il peint la mer, les voiliers colorés, l’entrée du port, le luxueux hôtel des Roches Noires face à la mer, l’hôtel le plus majestueux de la côte normande. L’artiste et sa nouvelle femme observent les élégantes parisiennes venir y faire la fête, sauter dans la mer, se déshabiller, se rhabiller, changer de toilette. Eux se contentent de la modeste pension Tivoli où ils se sont installés avec Jean.

     Quel plus joli modèle que son épouse ? Comme d’habitude, le peintre la peint élégamment habillée, assise sur la plage devant la mer. Au loin, quelques voiliers passent.

Claude Monet – La plage à Trouville, 1870, National Gallery, Londres

     Ce bel été semble marquer un tournant dans le style de Monet. Sur la plage de Trouville, il retrouve avec plaisir Eugène Boudin arrivé avec sa femme, son initiateur de jeunesse à la peinture de paysage. Lors de leur première rencontre, quelques années auparavant, celui-ci lui avait dit : « Etudiez, apprenez à voir et à peindre, dessinez, faites du paysage. »

     Aujourd’hui, l’étude de la lumière est devenue la préoccupation essentielle de l’artiste.

Claude Monet – Camille assise sur la plage de Trouville, 1870, collection particulière

    « Camille, installe-toi ici !… Jette ton ombrelle en arrière, ton visage doit rester dans l’ombre !… Accroche bien ton chapeau, le vent souffle !… Mets-toi dos à la mer !… Descends ta voilette sur le nez !… Penche-toi en avant !… Tu vois bien qu’il n’y a plus de soleil, referme ton ombrelle !... ».

Claude Monet – Camille à la plage de Trouville, 1870, collection particulière

     Camille pose des journées entières sur la plage. Les vagues viennent parfois lécher sa robe qui prend la couleur du sable. Elle n’oublie jamais de mettre son petit chapeau fleuri accroché sur ses cheveux.

Claude Monet – Sur la plage à Trouville, 1870, musée Marmottan, Paris

     Quelle idée est passée dans la tête de Monet ? Ce jour-là, malgré l’opposition ferme de Camille, il lui demande de s’installer de travers sur une chaise vêtue d’une robe rayée de bandes bleues et blanches, le visage encadré de curieuses nattes de lycéenne, l’éternel petit chapeau fleuri sur les cheveux. « Cela changera de tes apparences habituelles de parisienne élégante, lui dit-il en riant ». A côté d’elle, il a installé, assise sur le sable, une fillette qui ressemble bougrement à sa femme. Une sœur jumelle…

     Monet est assez dictatorial envers ses modèles. Qu’importe, Camille se prête à toutes les demandes de son jeune mari. Elle est si heureuse d’avoir Claude et son fils Jean toute la journée auprès d’elle. Leur avenir s’annonce radieux…

Félix Bracquemond – Théophile Gautier, 1857, d’après une photographie de Nadar

« Il n’y a de vraiment beau que ce qui ne peut servir à rien. »

     Figure marquante, gloire de la vie littéraire au 19^e siècle, Théophile Gautier est un touche-à-tout dans le domaine des arts. Il aborde tous les genres : critique d’art, conte, poésie, nouvelle, roman, théâtre, et même des livrets de ballets, dont celui du ballet « Gisèle ». Il est un des membres de ce mouvement parnassien qui considère que l’art doit être impersonnel, sans engagement politique et social.

     Gautier est souvent considéré comme celui qui manie le mieux la langue française. Ces poèmes sont des petits bijoux joliment ciselés qu’il faut déguster lentement, mot à mot. Leur unique but est une recherche de beauté et d’exigence esthétique. En 1852, son recueil de poèmes « Émaux et Camées », qui se situe à la croisée du romantisme et de la poésie parnassienne, illustre idéalement les principes esthétiques de l’artiste et son exigence de perfection.

     En 1857, Charles Baudelaire dédit ses « Fleurs du mal » à son modèle et ami Théophile Gautier. Son « maître et ami », « poète impeccable, parfait magicien de lettres françaises. » Il lui envoie son recueil accompagné d’une lettre dédicace :

« À mon très cher et très vénéré maître et ami Théophile Gautier

Bien que je te prie de servir de parrain aux Fleurs du mal, ne crois pas que je sois assez perdu, assez indigne du nom de poète pour m’imaginer que ces fleurs maladives méritent ton noble patronage. Je sais que dans les régions éthérées de la véritable Poésie, le Mal n’est pas, non plus que le Bien, et que ce misérable dictionnaire de mélancolie et de crime peut légitimer les réactions de la morale comme le blasphémateur confirme la Religion. Mais j’ai voulu, autant qu’il était en moi, en espérant mieux peut-être rendre un hommage profond à l’auteur d’Albertus, de La Comédie de la Mort et d’Espana, au poète impeccable, au magicien ès langue française, dont je me déclare, avec autant d’orgueil que d’humilité, le plus dévoué, le plus respectueux et le plus jaloux des disciples. »

     Pour terminer l’année j’ai eu envie de vous offrir la beauté des mots de ce grand poète, dans une poésie et deux critiques d’art.

Jean-Auguste-Dominique Ingres – La grande odalisque, 1814, musée du Louvre, Paris

« Quelle élégance abandonnée dans ses longs membres qui filent comme des tiges de fleurs au courant de l’eau ! Quelle souplesse dans ces reins moelleux, dont la chair semble avoir des micas de marbre de Paros sous la vapeur rose de la vie qui les colore légèrement ! Et quel soin précieux dans tous les accessoires, les bracelets, le chasse-mouches en plumes de paon, les bijoux, la pipe, les draperies, les coussins, les linges fripés et jetés çà et là ! »  

Théophile Gauthier Sur la Grande Odalisque » - le Moniteur Universel, juillet 1885

Jean-Auguste-Dominique Ingres – La baigneuse Valpinçon, 1808, Louvre

« La Baigneuse, assise et vue de dos, se modèle dans un clair-obscur argenté, réchauffé de reflets blonds ; un gazillon blanc et rouge se tortille avec coquetterie autour de sa tête, et son beau corps, peint grassement, développe ses riches formes féminines revêtues d’une couleur qui semble prise sur la palette de Titien. Des linges d’un blanc chaud et doré, à franges effilées et pendantes, comparables aux draps sur lesquels s’allongent les Vénus et les maîtresses de prince du grand peintre de Venise, font valoir par leurs beaux tons mats les chairs fermes et superbes de la baigneuse ; un bout de rideau tombant sur le coin du tableau est le seul repoussoir que ce soit permis l’artiste ; tout le reste se maintient dans une gamme claire, puissante et tranquille, sur un jour qui tombe de haut, probablement par une de ces verrues de cristal qui bossuent les coupoles des bains turcs à Constantinople. Ici, tout est réuni, beauté et vérité, dessin et couleur. »

Théophile Gauthier, Le moniteur universel, Critique Exposition universelle de 1855

Fantaisies d’hiver (Extrait)

Théophile Gautier, Recueil Emaux et camées

I

Le nez rouge, la face blême,
Sur un pupitre de glaçons,
L’Hiver exécute son thème
Dans le quatuor des saisons.

Il chante d’une voix peu sûre
Des airs vieillots et chevrotants ;
Son pied glacé bat la mesure
Et la semelle en même temps ;

Et comme Haendel, dont la perruque
Perdait sa farine en tremblant,
Il fait envoler de sa nuque
La neige qui la poudre à blanc.

II

Dans le bassin des Tuileries,
Le cygne s’est pris en nageant,
Et les arbres, comme aux féeries,
Sont en filigrane d’argent.

Les vases ont des fleurs de givre,
Sous la charmille aux blancs réseaux ;
Et sur la neige on voit se suivre
Les pas étoilés des oiseaux.

Au piédestal où, court-vêtue,
Vénus coudoyait Phocion,
L’Hiver a posé pour statue
La Frileuse de Clodion.

Heureuse fin d'année à tous les lecteurs.

A l'année prochaine.

     Une nouvelle fois, les Anthologies Ephémères, par l’intermédiaire de QUICHOTTINE, cette femme de cœur qui gère ce site, lance la souscription du dernier recueil composé de récits, poèmes, nouvelles et images, conçu par 108 auteurs et illustrateurs (dessinateurs, peintres, photographes), comportant 224 pages.

     Quelques mois ont suffi. La symbiose des cœurs a opéré sous la forme de ce recueil nommé MÉTIERS IMPROBABLES aux tonalités rouge et jaune. Au choix, la couverture représente le couteau à enduire d’un ouvrier, ou le pinceau d’un peintre dont les poils sont de longs filaments regroupant les noms des participants à cet ouvrage collectif.

     Cette année, la 6ème anthologie (eh oui, déjà !) a pour thème les MÉTIERS IMPROBABLES... tous ces métiers que l’on ne trouve pas dans les nomenclatures officielles. Je vous en laisse découvrir quelques-uns. Ce n’est pas banal :

Allumeur d’étoile

Souffleuse d’origami

Ravaudeuse d’émotions

Détricoteuse de pull

Charmeur de papillons

Essuyeur de lunettes

Brodeuse de bonheur

Trayeur de licornes

Câlineurs d’arbre

     Je pense que vous avez tous compris !

     Le but de ce livre n'est pas de figurer dans les futurs prix littéraires. Il est simplement de permettre à un enfant malade de sourire, de réaliser un rêve qu’il croyait impossible. L’espace d’une journée, cet enfant va oublier cette maladie handicapante qui le ronge, sa douleur, les heures sombres.

     Pour que de nombreux rêves puissent se réaliser, il faut, évidemment, réunir beaucoup d’argent à offrir à l’association RÊVES . Cette association a pour mission d'exaucer le Rêve des enfants très gravement malades.

     Le bénéfice par livre étant peu élevé, la meilleure des récompenses à adresser aux nombreuses petites mains qui ont permis la réalisation de l'ouvrage est d’en commander en ligne un (ou plusieurs) en souscrivant dès aujourd’hui sur la page de QUICHOTTINE :

https://quichottine.fr/2019/05/metiers-improbables-souscription.html

OU, à partir du 15 juin prochain directement sur le site de l’éditeur :

https://www.thebookedition.com/fr/14551_les-anthologies-ephemeres-divers

     Merci aux personnes de cœur qui permettront par leur geste de faire plaisir à Quichottine et, surtout, verront la joie illuminer le visage d’un enfant malade.

Jacques-Emile Blanche – Portrait de Marcel Proust, 1892, musée d’Orsay, Paris

    Richard Lejeune qui a arrêté de publier depuis quelques mois dans son excellent site ÉGYPTOMUSÉE, se consacre désormais à l’étude de l’œuvre de l’écrivain Marcel Proust. Il se trouve qu’il m’a fait connaître récemment par mail un texte passionnant tiré d’un ouvrage Proust et ses peintres publié en 2000 au Pays-Bas sous la direction de Sophie Bertho.

     L’auteur de ce texte se nomme Kazuyoshi Yoshikawa et est Professeur à l’Université de Tokyo. Il étudie depuis plusieurs années l’œuvre de Marcel Proust.

    Selon ce professeur japonais, un banquier fortuné, critique d’art, nommé Charles Ephrussi, aurait directement inspiré le personnage de Swann dans la A la recherche du temps perdu de Proust.

     Cette histoire m’a intéressé. J’ai eu envie de consacrer un article à Charles Ephrussi et au rôle qu’il tient dans le roman.

   L’analyse que je présente, basée sur l’étude du professeur Kazuyoshi Yoshikawa, peut paraître un peu complexe sur l’œuvre de Proust. J’ai fait de mon mieux pour la présenter de façon claire.

   Bonne lecture, peut-être en buvant une tasse de café, à moins que la bière… Richard me fera certainement remarquer et rectifier mes erreurs éventuelles.

CHARLES EPHRUSSI

   Que vient faire le personnage de Charles Ephrussi dans la Recherche ? Qui était-il ?

  Charles Ephrussi était un banquier, collectionneur, critique d’art et mécène. Cet amateur de peinture occupait une place importante dans le petit monde des amateurs d’art de la fin du 19ème–début 20ème siècle. Directeur de la « Gazette des Beaux-Arts », il aurait connu Proust dans les salons qu’il fréquentait et aurait initié celui-ci, déjà grand amateur d’art, au monde des Beaux-Arts en lui permettant de publier des articles. Comme collectionneur et critique d’art, Charles Ephrussi fréquentait les peintres contemporains, dont Degas, Manet, Puvis de Chavannes et Renoir dont il possédait plusieurs tableaux dans sa collection.

PERSONNAGES DE LA « RECHERCHE » PRÉSENTANT UN LIEN AVEC CHARLES EPHRUSSI

    Les deux personnages qui nous intéressent sont présents constamment dans chacun des sept livres de la Recherche.

    ELSTIR : Il s’agit d’un peintre renommé. Il va devenir l’ami de Swann. Ses tableaux trônent dans les plus grands hôtels particuliers du faubourg Saint-Germain dont celui du duc de Guermantes qui possède de nombreuses toiles décorant ses salons.

  CHARLES SWANN : Il s’agit du deuxième personnage le plus important de la Recherche. Dandy fortuné, fin connaisseur des arts, il fréquente les plus grandes familles de l’aristocratie parisienne. Il possède un charme ironique qui plaît au narrateur qui se reconnaît un peu en lui.

LE CÔTÉ DE GUERMANTES (3^ème livre de l’œuvre)

   Toute l’œuvre de Marcel Proust dans la Recherche abonde constamment de références picturales.

     L’étude du professeur Kazuyoshi Yoshikawa s’attache à démontrer le lien qui existe entre le personnage de Swann et le collectionneur Charles Ephrussi. Les extraits du roman qui sont l’objet de cette étude sont pour la plupart situés dans le troisième livre de la Recherche : Le Côté de Guermantes.

    Dans ce livre, un long paragraphe nous intéresse particulièrement : le narrateur, invité à dîner pour la première fois chez le duc de Guermantes, se met à table après avoir admiré les nombreux tableaux d’Elstir que possède les Guermantes.

     Avant d’analyser les différents passages de ce texte, et afin de mieux les comprendre et les expliquer, je montre le texte en entier ci-dessous. Voici les paroles que les Guermantes adressent au narrateur :

« — Tenez, justement, me dit Mme de Guermantes en attachant sur moi un regard souriant et doux et parce qu’en maîtresse de maison accomplie elle voulait, sur l’artiste qui m’intéressait particulièrement, laisser paraître son savoir et me donner au besoin l’occasion de faire montre du mien, tenez, me dit-elle en agitant légèrement son éventail de plumes tant elle était consciente à ce moment-là qu’elle exerçait pleinement les devoirs de l’hospitalité et, pour ne manquer à aucun, faisant signe aussi qu’on me redonnât des asperges sauce mousseline, tenez, je crois justement que Zola a écrit une étude sur Elstir, ce peintre dont vous avez été regarder quelques tableaux tout à l’heure — les seuls du reste que j’aime de lui, ajouta-t-elle. En réalité, elle détestait la peinture d’Elstir, mais trouvait d’une qualité unique tout ce qui était chez elle. Je demandai à M. de Guermantes s’il savait le nom du monsieur qui figurait en chapeau haut de forme dans le tableau populaire, et que j’avais reconnu pour le même dont les Guermantes possédaient tout à côté le portrait d’apparat, datant à peu près de cette même période où la personnalité d’Elstir n’était pas encore complètement dégagée et s’inspirait un peu de Manet. « Mon Dieu, me répondit-il, je sais que c’est un homme qui n’est pas un inconnu ni un imbécile dans sa spécialité, mais je suis brouillé avec les noms. Je l’ai là sur le bout de la langue, monsieur… monsieur… enfin peu importe, je ne sais plus. Swann vous dirait cela, c’est lui qui a fait acheter ces machines à Mme de Guermantes, qui est toujours trop aimable, qui a toujours trop peur de contrarier si elle refuse quelque chose ; entre nous, je crois qu’il nous a collé des croûtes. Ce que je peux vous dire, c’est que ce monsieur est pour M. Elstir une espèce de Mécène qui l’a lancé, et l’a souvent tiré d’embarras en lui commandant des tableaux. Par reconnaissance — si vous appelez cela de la reconnaissance, ça dépend des goûts — il l’a peint dans cet endroit-là où avec son air endimanché il fait un assez drôle d’effet. Ça peut être un pontife très calé, mais il ignore évidemment dans quelles circonstances on met un chapeau haute forme. Avec le sien, au milieu de toutes ces filles en cheveux, il a l’air d’un petit notaire de province en goguette. Mais dites donc, vous me semblez tout à fait féru de ces tableaux. Si j’avais su ça, je me serais tuyauté pour vous répondre. Du reste, il n’y a pas lieu de se mettre autant martel en tête pour creuser la peinture de M. Elstir que s’il s’agissait de « la Source » d’Ingres ou des « Enfants d’Édouard » de Paul Delaroche. Ce qu’on apprécie là dedans, c’est que c’est finement observé, amusant, parisien, et puis on passe. Il n’y a pas besoin d’être un érudit pour regarder ça. Je sais bien que ce sont de simples pochades, mais je ne trouve pas que ce soit assez travaillé. Swann avait le toupet de vouloir nous faire acheter une « Botte d’Asperges ». Elles sont même restées ici quelques jours. Il n’y avait que cela dans le tableau, une botte d’asperges précisément semblables à celles que vous êtes en train d’avaler. Mais moi je me suis refusé à avaler les asperges de M. Elstir. Il en demandait trois cents francs. Trois cents francs une botte d’asperges ! Un louis, voilà ce que ça vaut, même en primeurs ! Je l’ai trouvée roide. Dès qu’à ces choses-là il ajoute des personnages, cela a un côté canaille, pessimiste, qui me déplaît. Je suis étonné de voir un esprit fin, un cerveau distingué comme vous, aimer cela. »

ANALYSE D’APRÈS L’ÉTUDE DU PROFESSEUR KAZUYOSHI YOSHIKAWA

1. Manet et ses asperges

Edouard Manet – Bouquet d’asperges, 1880, Walhaf-Richartz Museum, Cologne

Edouard Manet – L’asperge, 1880, Musée d’Orsay, Paris

« Swann avait le toupet de vouloir nous faire acheter une « Botte d’Asperges ». Elles sont même restées ici quelques jours. Il n’y avait que cela dans le tableau, une botte d’asperges précisément semblables à celles que vous êtes en train d’avaler. Mais moi je me suis refusé à avaler les asperges de M. Elstir. Il en demandait trois cents francs. Trois cents francs une botte d’asperges ! Un louis, voilà ce que ça vaut, même en primeurs ! »

     A la fin de ce long texte, le duc de Guermantes fait une allusion aux asperges. Les lecteurs connaissant l’art reconnaitrons facilement qu’il s’agit du Bouquet d’asperges d’Edouard Manet peint en 1880. Proust incite donc le lecteur à deviner que le tableau peint par Elstir fait référence à la toile de Manet. Ainsi il laisse reconnaître dans le personnage d’Elstir, Manet lui-même.

     Dans cette histoire d’asperges, Charles Ephrussi apparaît pour la première fois. Il se trouve que, en 1880, c’est lui qui commande à Manet un tableau représentant une botte d'asperges ; il est si content du tableau qu'au lieu de verser les 800 francs convenus (et non les 300 francs dans le récit de Proust), il envoie 1 000 francs à Manet qui, en remerciement, lui adresse huit jours plus tard une petite toile représentant une seule asperge accompagnée de ce message : « Il en manquait une à votre botte ». Charles Ephrussi fit donc l’acquisition des deux tableaux de Manet représentant des asperges.

     Il paraît donc probable que, à la fin du siècle, Proust vit les deux toiles d’asperges chez Ephrussi. Il n’avait plus qu’à insérer le tableau de la botte d’asperges dans son livre Le Côté de Guermantes et ainsi laisser sous-entendre un lien entre le personnage d’Elstir et le peintre Edouard Manet.

2. Zola et ses critiques annuelles du Salon

« (…) tenez, je crois justement que Zola a écrit une étude sur Elstir, ce peintre dont vous avez été regarder quelques tableaux tout à l’heure. » 

     La duchesse parlant d’un écrit de Zola sur une étude d’Elstir fait donc référence à la longue critique que Zola dans son compte-rendu du Salon de 1867 fit à Edouard Manet.

3. Les paysages de Claude Monet

   Il apparaît que Proust vit d’autres tableaux chez le collectionneur. Une preuve le démontre : le superbe passage, ci-dessous, qu’il écrivit dans Jean Santeuil  en 1895 en songeant sans aucun doute à Matinée sur la Seine, près de Giverny peint en 1897 par Claude Monet.

     Ce tableau appartenait lui aussi au tournant du siècle à Charles Ephrussi. La note entre parenthèses à la fin du texte du nom de Charles Ephrussi comme propriétaire du tableau démontre bien que Proust l’avait vu.

« (…) voyez le reflet bleu des bois, le reflet bleu du ciel, voyez comme tout se tait, comme l’eau écoute le silence des rives, comme tout s’amortit, comme tout est bleu et déjà un peu sombre à l’ombre bleue des bois sur l’eau, tandis qu’au milieu,  dans le reflet bleu du ciel, de la lumière persiste encore, en dernier reflet (chez Ch. Ephrussi). » - Jean Santeuil

Claude Monet – Matinée sur la Seine près de Giverny, 1897

4. Les canotiers de Renoir

    Dans le même paragraphe dans Le côté de Guermantes, tandis que le narrateur mange des asperges, il est question dans la conversation d’un autre tableau d’Elstir.

« (…) Je demandai à M. de Guermantes s’il savait le nom du monsieur qui figurait en chapeau haut de forme dans le tableau populaire, et que j’avais reconnu pour le même dont les Guermantes possédaient tout à côté le portrait d’apparat, datant à peu près de cette même période où la personnalité d’Elstir n’était pas encore complètement dégagée et s’inspirait un peu de Manet. »

     Et plus loin dans la phrase : « ce monsieur est pour M. Elstir une espèce de Mécène qui l’a lancé, et l’a souvent tiré d’embarras en lui commandant des tableaux. Par reconnaissance — si vous appelez cela de la reconnaissance, ça dépend des goûts — il l’a peint dans cet endroit-là où avec son air endimanché il fait un assez drôle d’effet. Ça peut être un pontife très calé, mais il ignore évidemment dans quelles circonstances on met un chapeau haute forme. Avec le sien, au milieu de toutes ces filles en cheveux, il a l’air d’un petit notaire de province en goguette. »

     Certains spécialistes de l’art ont cru reconnaître dans ce passage la toile de R

     Il était une fois une femme de cœur, une vraie, qui ne pensait qu’à une chose : permettre à un enfant malade de sourire, de réaliser un rêve qu’il croyait impossible. Il fallait que, l’espace d’une journée, cet enfant oublie cette maladie handicapante, sa douleur, les heures sombres.

     Cette femme avait un curieux nom : QUICHOTTINE

     Elle savait ce qu’il fallait faire pour rendre l’enfant joyeux. Elle l’avait déjà fait, ce n’était pas la première fois. Depuis 2011, quatre fois, Les Anthologies Éphémères avaient permis de récolter suffisamment d’argent pour que ces rêves existent.

     A nouveau, ses nombreux amis (dont 8 enfants de 7 à 15 ans) allaient répondre à son appel : leurs talents d’écrivains, dessinateurs, illustrateurs, photographes, allaient s’unir pour que Quichottine soit heureuse une cinquième fois.

    Quelques mois ont suffi pour que la symbiose des cœurs s’opère, sous la forme d’un fabuleux Voyage matérialisé par un livre aux tonalités turquoise dont la couverture en forme de montgolfière symbolise l’évasion, ou, mieux, une ampoule dont la lumière envoie des lueurs d’espoir.

Description du recueil :

Recueil composé de 118 récits, poèmes, nouvelles et images, conçus par 113 auteurs et illustrateurs (dessinateurs, peintres, photographes) dont le plus jeune a 7 ans, réunis autour d'un même thème, un même projet.

Ce singulier "Voyage", un Voyage pluriel, nous emporte à travers leur imaginaire, leurs rêves.

Nous rêvons… mais notre rêve ne sera pas inutile.

Les droits d'auteurs et bénéfices réalisés grâce à nos ventes sont entièrement reversés à l'association Rêves.

Association Rêves : 141 allée de Riottier - CS 7007 Limas - 69651 VILLEFRANCHE-SUR-SAONE Cedex.

J’en arrive à la partie la plus importante de ma présentation.

Pour que de nombreux rêves puissent se réaliser, il faut, évidemment, réunir beaucoup d’argent. Le bénéfice par livre étant peu élevé, la meilleure des récompenses à adresser aux nombreuses personnes qui ont permis la réalisation de ce livre est d’en commander en ligne un (ou plusieurs) sans attendre auprès de l’éditeur :

 The BookEdition

     Merci aux personnes de cœur qui permettront par leur geste de voir la joie illuminer le visage d’un enfant malade.

     Mon dernier article montrant un superbe tableau d'une femme dénudée imageant le poème de Charles Baudelaire "Les bijoux" a été censuré sur Facebook. Je m'oppose évidemment à cette censure inqualifiable portant atteinte à la liberté d'expression en matière d'oeuvres d'art. Exceptionnellement, j'exporte cet article sur le réseau social car son unique et essentiel but est de donner un moment de bonheur à des enfants qui ont besoin de nous. 

     Encore merci à mes amis lecteurs de ce blog et de ma page Facebook.   

Edouard Manet – Berthe Morisot à l’éventail, 1874, musée des Beaux-Arts, Lille

     « Des amis m’embrassent, me pressent les mains. Je les devine plus que je ne les vois. À l’image de ma robe, le cimetière m’apparaît vêtu de noir. La couleur favorite d’Edouard… Il en aurait certainement fait un tableau, me dis-je, très émue.

   Je fixai une dernière fois la petite tombe dans laquelle il venait de s’enfoncer. Une page importante de ma vie se refermait. » 

- Extrait de la nouvelle « Un noir joyeux » (Recueil Deux petits tableaux)

     Durant mes récentes vacances, j’ai réécouté à nouveau les enregistrements de quatre de mes nouvelles qui m’ont été offerts par une amie Suisse, Esperiidae, donneuse de voix sur Litterature audio.com, site beaucoup fréquenté par les non-voyants et malvoyants, mais aussi par les curieux de littérature.

    J’avais longtemps hésité lorsqu’elle m’avait proposé le projet d’enregistrer en audio quelques-unes des nouvelles publiées dans mes recueils. Je m’imaginais que la vision des tableaux dont je parlais dans mes récits était indispensable à une bonne perception de ceux-ci. Je me trompais et elle me le démontra en enregistrant successivement quatre nouvelles. Je compris rapidement en l’écoutant que la sensibilité musicale, le rythme et les modulations de la voix permettait une nouvelle approche de la peinture. Les mots parlés, avec un perceptible accent suisse, donnaient vie aux tableaux et confirmait la phrase d’un peintre suisse enseignant la peinture à des non-voyants : il parlait de « Voir autrement ».

    Une de ces nouvelles « Un noir joyeux », publiées dans mon dernier recueil « Deux petits tableaux », conte la tendre complicité unissant Édouard Manet et Berthe Morisot qui lui servit de modèle durant une quinzaine d’années. Mon amie m’a fait le plaisir de compléter son enregistrement audio de la nouvelle par une belle vidéo, montrant les tableaux du peintre. Vous pouvez l’écouter et la voir sur Youtube (durée 19 min) :   https://www.youtube.com/watch?v=qYc4xHohlM4

Ou en cliquant sur l'image ci-dessous :

Georges de La Tour - Saint Sébastien soigné par Irène, 1649, musée du Louvre, Paris

     Un moment inoubliable !

    Je vous offre une confidence : une seule fois dans ma vie d’amateur d’art, je fus obligé de voir deux fois la même exposition : celle consacrée au peintre Georges de La Tour qui se tint au Grand Palais à Paris en 1998. La quasi totalité de l’œuvre connue de l’artiste était présente. Je vais vous conter la raison de ma seconde visite de l’expo.

     Je ressors le catalogue « Georges de La Tour » écrit par Jean Pierre Cuzin et Pierre Rosenberg, l’un des plus beaux et complets sur le maître de Lunéville.

   Redécouvert au début du 20e siècle, Georges de La Tour reste l’un des plus énigmatique de tous les grands peintres français. Il avait d’ailleurs une réputation établie à son époque puisqu’il se rendit à Paris à plusieurs reprises et Louis XIII lui acheta son tableau en largeur « Saint Sébastien soigné par Irène ». Cette toile a disparu. D’autres grands mécènes possédaient ses œuvres : Richelieu, Séguier ou Louvois.

D’après Georges de La Tour - Saint Sébastien soigné par Irène (en largeur), 1630, Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas

     Par ses « clairs-obscurs », La Tour est souvent rattaché au caravagisme. Il n’avait que 17 ans quand Le Caravage mourut en 1610. Il connut obligatoirement les toiles du peintre italien qui circulaient à Nancy et en Lorraine et fut influencé par lui. Mais les clairs-obscurs du maître de Lunéville ne sont pas ceux du Caravage, plus durs, violents dans les contrastes de lumière. Chez La Tour, des harmonies de rouges, bruns et de blancs, douces, caractérisent sa palette.

     Aujourd’hui, la place de Georges de La Tour est devenue celle de l’un des grands artistes de son temps, proche des Vermeer, Hals, Vélasquez, Caravage et Rembrandt. Tout au long de sa carrière, il a peint des tableaux « diurnes » et « nocturnes » dont la datation a souvent donné lieu à controverse. Les « nocturnes » ou « nuits » semblent être apparus dans les dix dernières années de vie du peintre, après la guerre qui ravagea la Lorraine et Lunéville où il résidait.

   Je vais tenter maintenant de vous conter la raison de ma visite une seconde fois de l’exposition du Grand Palais. Un tableau exceptionnel était présent dans l’exposition. Il interrogea beaucoup les historiens d’art. Et moi encore plus…

     Pour mieux comprendre cette histoire, je dois vous parler en premier du « Saint Jean-Baptiste dans le désert » œuvre récemment découverte en 1993 par Pierre Rosenberg et achetée pour le département de la Moselle afin de constituer le noyau d’un musée Georges de La Tour à Vic-sur-Seille où est né l’artiste.

Georges de La Tour - Saint Jean-Baptiste dans le désert, 1649, Conseil Général de la Moselle

     Curieux tableau très peu coloré, sans les tons rougeâtres des toiles habituelles du maître. Un adolescent presque nu est assis dans la pénombre, donnant à manger à un agneau. Un peu de lumière tombe sur son épaule.

     Par sa qualité lumineuse, les historiens s’accordent à penser que La Tour « rencontra » réellement le Caravage dans ce tableau sans chandelle, simple effet de clair-obscur. Jean Pierre Cuzin parle « d’une qualité de silence bouleversante, d’une émotion toute intérieure, sur qui va retomber la nuit. »

    Ce tableau présente des similitudes avec le « Saint Sébastien soigné par Irène » en Hauteur sur lequel je reviens ci-dessous. Après maintes hésitations, les spécialistes ont conclu définitivement qu’il s’agissait d’un tableau des derniers temps de l’artiste vers 1649 –1651. Il mourra l’année suivante. Ce chef-d’œuvre clôturerait ainsi le corpus du maître.

     Le tableau exceptionnel qui fut la cause de ma seconde visite de l’exposition est le « Saint Sébastien soigné par Irène » dit aussi « Saint Sébastien en hauteur ». Je vous conte l’histoire de ce chef-d’oeuvre qui est installé au Louvre.

    Une seule version de cette toile était connue, celle de la Gemäldegalerie de Berlin, que l’on considérait comme un original jusqu’à la découverte d’une seconde version en 1945 dans une petite église de Bois-Anzeray, dans l’Eure.

Georges de La Tour - Saint Sébastien soigné par Irène (en hauteur), 1649, Gemäldegalerie Berlin

     Depuis, les experts ont démontré clairement que le tableau parisien, en mauvais état, est bien un original du maître. Plusieurs restaurations ont permis de retrouver d’importants repentirs dans le voile rose de la femme tenant la torche, dans son décolleté, dans le turban de la pleureuse et les bras du saint. Un détail important l’emporte sur la toile de Berlin : du bleu de lapis-lazuli recouvre le voile de la femme au centre de la toile derrière la pleureuse, en arrière-plan. Dans le tableau de Berlin ce même voile, peint avec un autre pigment, a noirci.

Georges de La Tour - Saint Sébastien soigné par Irène (en hauteur), 1649, musée du Louvre, Paris

     Il fallait une confrontation ! Elle avait déjà eu lieu lors de l’exposition à l’Orangerie en 1972, celle de 1998 n’a fait que confirmer la première. Dans le tableau du Louvre, la finesse de l’exécution, la beauté de l’ensemble se fondant dans une harmonie en rose saumon, ainsi que ce bleu dans le voile contrastant avec les autres tonalités ont fini par emporter les spécialistes dans un accord unanime. La supériorité du tableau parisien du Louvre était évidente à l’oeil. Il semblerait que la toile de Berlin serait une très belle copie faite par Etienne, le fils de La Tour, et complétée par le maître, d’après l’œuvre originale.

    Ces deux toiles, avec le « Saint-Jean Baptiste dans le désert » récemment découvert, pourraient dater de la même époque, vers 1649. Leur style proche laissant ressentir la même émotion.

     VOILÀ POURQUOI j’ai voulu revoir les deux toiles du Saint Sébastien en hauteur qui étaient exposées côte à côte au Grand Palais. J’ai passé un long moment pour tenter de me faire ma propre opinion. L’émotion, comme de celle mes voisins dans l’exposition, ne me laissait aucun doute. La toile du Louvre apparaissait, de par ses transparences, la douceur de l’exécution, la fluidité des couleurs, comme une œuvre de la maturité du peintre, l’une des dernières d’un artiste au sommet de sa carrière.

     À vous de juger !  

Pour mon ami Daniel, habitant de Fort-de-France, et à tous les amoureux de poésies.

Merci Aimé Césaire

Extraits du Cahier d’un retour au pays natal – Aimé Césaire

Partir.
Comme il y a des hommes-hyènes et des hommes-
panthères, je serais un homme-juif
un homme-cafre
un homme-hindou-de-Calcutta
un homme-de-Harlem-qui-ne-vote-pas

l'homme-famine, l'homme-insulte, l'homme-torture
on pouvait à n'importe quel moment le saisir, le rouer
de coups, le tuer - parfaitement le tuer - sans avoir
de compte à rendre à personne sans avoir d'excuses à présenter à personne
un homme-juif
un homme-pogrom
un chiot
un mendigot

mais est-ce qu'on tue le Remords, beau comme la
face de stupeur d'une dame anglaise qui trouverait
dans sa soupière un crâne de Hottentot ?

Je retrouverais le secret des grandes communications et des grandes combustions. Je dirais orage. Je dirais fleuve. Je dirais tornade. Je dirais feuille. Je dirais arbre. Je serais mouillé de toutes les pluies, humecté de toutes les rosées. Je roulerais comme du sang frénétique sur le courant lent de l'oeil des mots
en chevaux fous en enfants frais en caillots en couvre-feu en vestiges de temple en pierres précieuses assez loin pour décourager les mineurs. Qui ne me comprendrait pas ne comprendrait pas davantage le rugissement du tigre.
Et vous fantômes montez bleus de chimie d'une forêt de bêtes traquées de machines tordues d'un jujubier de chairs pourries d'un panier d'huîtres d'yeux d'un lacis de lanières découpées dans le beau sisal d'une peau d'homme j'aurais des mots assez vastes pour vous contenir
et toi terre tendue terre saoule
terre grand sexe levé vers le soleil
terre grand délire de la mentule de Dieu
terre sauvage montée des resserres de la mer avec
dans la bouche une touffe de cécropies
terre dont je ne puis comparer la face houleuse qu'à
la forêt vierge et folle que je souhaiterais pouvoir en
guise de visage montrer aux yeux indéchiffreurs des hommes

 Il me suffirait d'une gorgée de ton lait jiculi pour qu'en toi je découvre toujours à même distance de mirage - mille fois plus natale et dorée d'un soleil que n'entame nul prisme - la terre où tout est libre et fraternel, ma terre.

Partir. Mon coeur bruissait de générosités emphatiques. Partir... j'arriverais lisse et jeune dans ce pays mien et je dirais à ce pays dont le limon entre dans la composition de ma chair : « J'ai longtemps erré et je reviens vers la hideur désertée de vos plaies ».

Je viendrais à ce pays mien et je lui dirais : « Embrassez-moi sans crainte... Et si je ne sais que parler, c'est pour vous que je parlerai ».
Et je lui dirais encore : « Ma bouche sera la bouche des malheurs qui n'ont point de bouche, ma voix, la liberté de celles qui s'affaissent au cachot du désespoir. »

Et venant je me dirais à moi-même : « Et surtout mon corps aussi bien que mon âme, gardez-vous de vous croiser les bras en l'attitude stérile du spectateur, car la vie n'est pas un spectacle, car une mer de douleurs n'est pas un proscenium, car un homme qui crie n'est pas un ours qui danse... »

Eia pour la joie
Eia pour l'amour
Eia pour la douleur aux pis de larmes réincarnées

Et voici au bout de ce petit matin ma prière virile
que je n'entende ni les rires ni les cris,
les yeux fixés sur cette ville que je prophétise, belle

donnez-moi la foi sauvage du sorcier
donnez à mes mains puissance de modeler
donnez à mon âme la trempe de l'épée
je ne me dérobe point. Faites de ma tête une tête de proue
et de moi-même, mon cœur, ne faites ni un père, ni un frère
ni un fils, mais le père, mais le frère, mais le fils,
ni un mari, mais l'amant de cet unique peuple.

Faites-moi rebelle à toute vanité, mais docile à son génie
comme le poing à l'allongée du bras !
Faites-moi commissaire de son sang
faites-moi dépositaire de son ressentiment
faites de moi un homme de terminaison
faites de moi un homme d'initiation
faites de moi un homme de recueillement
mais faites aussi de moi un homme d'ensemencement

faites de moi l’exécuteur de ces œuvres hautes

voici le temps de se ceindre les reins comme un vaillant homme

Mais les faisant, mon cœur, préservez-moi de toute haine
ne faites point de moi cet homme de haine pour qui je n'ai que haine
car pour me cantonner en cette unique race
vous savez pourtant mon amour tyrannique
vous savez que ce n'est point par haine des autres races
que je m'exige bêcheur de cette unique race
que ce que je veux
c'est pour la faim universelle
pour la soif universelle
la sommer libre enfin

de produire de son intimité close
la succulence des fruits.

 ******

Ferrements - Aimé Césaire

mon peuple

quand
hors des jours étrangers
germeras-tu une tête tienne sur tes épaules renouées
et ta parole

le congé dépêché aux traîtres
aux maîtres
le pain restitué la terre lavée
la terre donnée

quand
quand donc cesseras-tu d'être le jouet sombre
au carnaval des autres
ou dans les champs d'autrui
l'épouvantail désuet

demain
à quand demain mon peuple
la déroute mercenaire
finie la fête

mais la rougeur de l'est au coeur de balisier

peuple de mauvais sommeil rompu
peuple d'abîmes remontés
peuple de cauchemars domptés
peuple nocturne amant des fureurs du tonnerre
demain plus haut plus doux plus large

et la houle torrentielle des terres
à la charrue salubre de l'orage

******

Calendrier Lagunaire in Moi, Laminaire – Aimé Césaire

J’habite une blessure sacrée
j’habite des ancêtres imaginaires
j’habite un vouloir obscur
j’habite un long silence
j’habite une soif irrémédiable
j’habite un voyage de mille ans
j’habite une guerre de trois cent ans
j’habite un culte désaffecté
entre bulbe et caïeu j’habite l’espace inexploité
j’habite du basalte non une coulée
mais de la lave le mascaret
qui remonte la calleuse à toute allure
et brûle toutes les mosquées
je m’accommode de mon mieux de cet avatar
d’une version du paradis absurdement ratée
-c’est bien pire qu’un enfer-
j’habite de temps en temps une de mes plaies
chaque minute je change d’appartement
et toute paix m’effraie

tourbillon de feu
ascidie comme nulle autre pour poussières
de mondes égarés
ayant crachés volcan mes entrailles d’eau vive
je reste avec mes pains de mots et mes minerais secrets

j’habite donc une vaste pensée
mais le plus souvent je préfère me confiner
dans la plus petite de mes idées

ou bien j’habite une formule magique
les seuls premiers mots
tout le reste étant oublié
j’habite l’embâcle
j’habite la débâcle
j’habite le pan d’un grand désastre
j’habite souvent le pis le plus sec
du piton le plus efflanqué-la louve de ces nuages-
j’habite l’auréole des cétacés
j’habite un troupeau de chèvres tirant sur la tétine
de l’arganier le plus désolé
à vrai dire je ne sais plus mon adresse exacte
bathyale ou abyssale
j’habite le trou des poulpes
je me bats avec un poulpe pour un trou de poulpe

frères n’insistez pas
vrac de varech
m’accrochant en cuscute

ou me déployant en porona
c’est tout un
et que le flot roule
et que ventouse le soleil
et que flagelle le vent
ronde bosse de mon néant

la pression atmosphérique ou plutôt l’historique
agrandit démesurément mes maux
même si elle rend somptueux certains de mes mots

******

 Prophétie - Aimé Césaire

là où l'aventure garde les yeux clairs
là où les femmes rayonnent de langage
là où la mort est belle dans la main comme un oiseau
     saison de lait
là où le souterrain cueille de sa propre génuflexion un luxe
     de prunelles plus violent que des chenilles
là où la merveille agile fait flèche et feu de tout bois

là où la nuit vigoureuse saigne une vitesse de purs végétaux

là où les abeilles des étoiles piquent le ciel d'une ruche
     plus ardente que la nuit
là où le bruit de mes talons remplit l'espace et lève
     à rebours la face du temps
là où l'arc-en-ciel de ma parole est chargé d'unir demain
     à l'espoir et l'infant à la reine,

d'avoir injurié mes maîtres mordu les soldats du sultan
d'avoir gémi dans le désert
d'avoir crié vers mes gardiens
d'avoir supplié les chacals et les hyènes pasteurs de caravanes

je regarde
la fumée se précipite en cheval sauvage sur le devant
     de la scène ourle un instant la lave de sa fragile queue
     de paon puis se déchirant la chemise s'ouvre d'un coup
     la poitrine et je la regarde en îles britanniques en îlots
     en rochers déchiquetés se fondre peu à peu dans la mer
     lucide de l'air
où baignent prophétiques
ma gueule
          ma révolte
               mon nom.

MONET Claude -  La japonaise, 1875, Museum of Fine Arts, Boston

     « Souris, lance Claude Monet à sa femme ! Bon dieu, c’est pourtant simple !... Non ! Pas comme ça ! Un vrai sourire ! naturel… tu me fais une grimace… Tourne bien la tête vers moi ! »

     Elle fait de son mieux, Camille, mais Monet est tellement exigeant. D’autant plus que ce qui intéresse le peintre n’est pas essentiellement le visage, ni les mains de la jeune femme, mais toutes ces couleurs qui éclatent sur elle, s’entrechoquent, vibrent.

     Elle n’est plus la bourgeoise élégante qui était superbement habillée d’une robe de soie verte au salon de 1866. Cette fois, le peintre a voulu faire exotique : une japonaise.

    Il l’a affublée d’une somptueuse robe d’acteur japonais rouge brodée de fleurs et de personnages grimaçants. Elle s’est transformée en parisienne déguisée, coiffée d’une curieuse perruque blonde, tenant un éventail tricolore à hauteur du visage. Même ses yeux paraissent bridés... Ainsi attifée, elle s’efforce de sourire, niaisement car elle a plutôt envie de rire tellement sa pose est étrange et son déguisement théâtral.

     Une fantaisie… Certains des amis de l’artiste osent parler d’œuvre indécente, déplacée : peindre sa propre épouse habillée pour Mardi gras, avec un guerrier grotesque sortant bien vivant des plis du kimono brodé sur ses fesses...

    Innocemment, Camille le lui fait remarquer. « Je m’en fiche, l’essentiel est que l’on te remarque au Salon ! Crois-moi que ce kimono éclatant et ce guerrier grimaçant - mal placé je reconnais ! - ne passeront pas inaperçus, répond-t-il, rigolard. »

    Pourquoi Monet, en cette fin de l’année 1875, peint-il cette « japonaiserie », tableau d’un mauvais goût détonnant par rapport à son travail habituel ?

     L’exposition universelle de 1867 a révélé l’art japonais au public. Des estampes circulent un peu partout et influencent les artistes européens. De suite, Monet a été séduit par le charme de ces peintures nippones dont il collectionne les fameux « crépons » achetés dans des boutiques à Paris. Ceux-ci lui révèlent l’importance du vêtement et son rôle dans l’expression du mouvement, des formes, du rythme. Tout lui plait dans ces gravures : la pureté et la finesse des contours, l’élégance décorative, l’harmonie des couleurs, une grande richesse de tons, le raffiné de la composition.

      Un art fondé sur un idéal esthétique...

     Cette Japonaise marque-t-elle un moment de changement psychologique dans le travail de Monet qui modifie sa façon de traiter la perspective et le rapport des couleurs entre elles ? Veut-il prouver qu’il sait faire autre chose que des paysages ?

    Camille ne s’inquiète pas de la façon dont elle est grimée dans ce ridicule accoutrement de geisha. Claude est l’homme de sa vie. Il peut tout lui demander.     

     Elle tente de garder la pose et continue de lui sourire.

Il y a quelques années, un petit garçon arriva le 23 décembre, comme un conte de Noël, chez ma fille et son mari. Comme vous pouvez le constater, futur amateur d’art, il n’a pas tardé à être passionné de peinture.

Aujourd’hui, avec ses quatre ans et demi, Melvil a bien grandi et fait le bonheur de ses parents.

Cette année, comme tous les enfants, il attendait Noël avec impatience, et a été gâté. Un jour, il apprendra que lui-même est arrivé, magnifique cadeau, dans la hotte du père Noël.

Il m’a fait savoir qu’il souhaitait à tous les enfants du monde de trouver des parents comme les siens.

     Ma visite de l’exposition « PASTELS du Musée du Louvre 17^e et 18^e siècles » se termine. De très beaux pastellistes arrivent...

François BOUCHER

« Quelles couleurs ! quelle variété ! quelle richesse d'objets et d'idées ! Cet homme a tout, excepté la vérité. (…) Il est fait pour tourner la tête à deux sortes de personnes, les gens du monde et les artistes. Son élégance, sa mignardise, sa galanterie romanesque, sa coquetterie, son goût, sa facilité, sa variété, son éclat, ses carnations fardées, sa débauche, doivent captiver les petits-maîtres, les petites femmes, les jeunes gens, les gens du monde, la foule de ceux qui sont étrangers au vrai goût, à la vérité, aux idées justes, à la sévérité de l'art. Comment résisteraient-ils au saillant, au libertinage, à l'éclat, aux pompons, aux tétons, aux fesses, à l'épigramme de Boucher. Les artistes qui voient jusqu'où cet homme a surmonté les difficultés de la peinture (...) fléchissent le genou devant lui. C'est leur dieu. Les autres n'en font nul cas. » 

                       Admiration et réprobation de Denis Diderot, Salon de 1761

     François Boucher fut l’un des plus célèbres peintres du 18^e siècle, essentiellement dans des peintures à l’huile aux coloris vifs et des scènes voluptueuses qu'il ne dédaignait pas parfois de rehausser de pastel.

     Il a fait un très beau pastel de sa fille Marie-Émilie Boucher, dans lequel les bleus et les roses se marient harmonieusement.

François Boucher – Marie-Émilie Boucher, 1756, Louvre

     François Boucher était le peintre de la marquise de Pompadour. Celle-ci lui commanda des dessins représentants des enfants pour qu’ils servent de modèles à un ensemble de tapisseries tissées aux Gobelins. Le peintre en peignit deux à l’huile Le petit dénicheur de merles et La Petite Oiselière. Deux mêmes pastels conservés au Louvre étaient de longue date considérés comme des copies. D’après un examen récent, il semblerait que ces charmants pastels de qualité seraient ceux qui avaient été considérés comme autographe en 1770 par un des meilleurs experts du temps. Ces deux pastels auraient donc été peints en premier par l’artiste et auraient ensuite été repris pour les peintures à l’huile.

François Boucher – La Petite Oiselière, 1750, Louvre

Gustaf LUNDBERG

     Ce suédois venu à Paris pour se perfectionner fut très impressionné par le séjour parisien de la Vénitienne Rosalba Carriera. Louis XV lui accorda en 1741 l’autorisation en tant qu’Etranger et de religion réformée d’être agréé par l’Académie royale de peinture. Comme morceau de réception, il peignit le peintre François Boucher.

Gustaf Lundberg, François Boucher,1742, Louvre

Joseph BOZE

     Totalement inconnu à Paris où il venait d’arriver, l’artiste expose, sur les conseils de Maurice Quentin de La Tour, un autoportrait pour de se faire connaître. Afin de renforcer l’aspect psychologique il laisse la touche libre et non fondue.

Joseph Boze - Autoportrait, 1782, Louvre

    Au début des années 1780, Joseph Boze peint sa femme qui pourrait être un pendant à un autre autoportrait du peintre peint à l’huile dans le même format en largeur ; ce tableau de Boze appartiendrait à une collection privée aux Etats-Unis. Le visage de la femme ainsi que le bras et la main reposant sur un livre de musique a apparemment été terminé en présence du modèle. Le reste de la toile est curieusement inachevé ?

Joseph Boze – Madeleine Françoise Boze, née Clétiez, 1782, Louvre

    Une phrase indiquée par le Louvre sur le cartel « Le portrait de Madeleine Françoise Boze est resté inachevé pour des raisons qui nous échappent. » m’a incité à m’arrêter devant les portraits de ce couple qui m’intriguaient. Je cherchais une explication...

    Curieusement, ce peintre qui se peint en arrivant à Paris avec une allure fière et hautaine dans l’autoportrait ci-dessus, avait fait un portrait de sa femme sans le terminer… Je sentais qu’il s’était passé quelque chose entre cet homme et cette femme. Mais quoi ? Faisons le point : ils se marient en 1770, elle a 19 ans et lui 25 ans. Ils montent à Paris ensemble en 1778 et, peu de temps après, vers 1780, il fait ce portrait de sa jolie femme qui semble avoir une trentaine d’années sur la toile. Ce serait un pendant, l’expression du visage de la femme indique qu’elle regarde le portrait de son mari de côté avec un amour admiratif… Tout va bien ! Puis ce beau portrait est laissé en plan par l’artiste, seuls quelques traits sur la robe et de légers frottements sur le bras gauche finissent la toile…

     Cet homme semble assez dédaigneux et arrogant sur son autoportrait. Se pourrait-il qu’il déteste-t-il sa femme, la rejette, ou l’ignore, au point de ne pas daigner donner les touches finales à ce joli pastel ? Finalement, la toile ne fut pas condamnée à la destruction puisqu’elle resta longtemps en possession du peintre jusqu’à son décès en 1826 à 80 ans, puis passa dans les mains de sa fille Victoire. Remord, reste d’amour ? Madeleine Françoise ne décèdera que 9 ans plus tard, en 1835.

      Je me suis éloigné à regret de ces deux visages avec un sentiment d’inachevé…

Jean-Baptiste PERRONNEAU

    Jean-Baptiste Perronneau est l’un des pastellistes de grand talent les plus représentés au Louvre avec Maurice Quentin La Tour qu’il admirait.

     Encore méconnu en 1747, exposant au côté de La Tour, un critique écrivait : « On voit un portrait en pastel, par un jeune homme nommé M. Perronneau qui est plein d’esprit et de vie, et qui est d’une touche si vigoureuse et si hardie qu’on le prendrait pour être d’un Maître consommé dans son Art. Que ne doit-on pas espérer de quelqu’un qui marque tant de talents dans ses premiers ouvrages ? ».

Il est vrai que ce portrait de Gabriel Huquier, dans l’atelier duquel il commença la peinture, est absolument éblouissant dans l’harmonie des couleurs et la vivacité de la touche qui le distingue de suite comme un des grands pastellistes de ce siècle.

Jean-Baptiste Perronneau – Gabriel Huquier, 1747, Louvre

   Le portrait de la fille de Gabriel Huquier peint deux années plus tard est certainement une des œuvres les plus populaires de l’artiste. Il a peint la demoiselle en train de caresser son petit chat avec une grande sensibilité.

Jean-Baptiste Perronneau – Marie-Anne Huquier tenant un petit chat, 1749, Louvre

John RUSSELL

     Ce peintre atteint avec ce portrait un des sommets dans l’art du pastel. Avec la fille de Jean-Baptiste Perronneau, ci-dessus, cette « petite fille aux cerises » est un des pastels les plus appréciés au Louvre. Le tableau n’a cessé d’être copié depuis son entrée au Louvre en 1869. Encore aujourd’hui, les visiteurs, admiratifs, restent plantés devant la frimousse de la fillette de cinq ans comme il le ferait pour La Dentellière de Vermeer.

     L’artiste était particulièrement fier de cette toile car il avait prit soin, ce qui n’était pas courant, de protéger l’arrière de l’humidité avec une plaque de métal.

John Russell - Mary Hall, Petite fille aux cerises, 1788, Louvre

Noël est dans un peu plus d’un mois. Je viens déjà de recevoir un cadeau sous la forme d’un superbe commentaire sur le réseau littéraire Babelio de mon livre « QUE LES BLÉS SONT BEAUX ». Ce commentaire m’a été offert par une lectrice, mon amie Christèle.

HordeDuContrevent a ajouté une critique   le 7 novembre 2022

Que les blés sont beaux : L'ultime voyage de Vincent Van Gogh de Alain Yvars
 

Écrire la peinture. Retranscrire avec les mots une façon de peindre, elle-même reflet d'une âme, d'un caractère, d'une façon d'être à la vie, à une époque particulière, à un endroit bien précis.
Tel est le pari réussi d'Alain Yvars (@jvermeer), conteur de peinture, cueilleur empathique de couleurs et de lumières. Se mettant « à la place de », en l'occurrence ici à la place de Vincent van Gogh, Alain Yvars m'a projeté avec émotion à Auvers-sur-Oise en juin-juillet 1890, dernière commune du peintre dont il donne une vision romancée, mais au plus près du réel (sur la base de courriers, de documents, et de la correspondance du peintre), de ses dernières semaines de vie.

« Un sentiment d'infini…En cette fin d'après-midi, le soleil déclinant léchait de citron vert le champ bordant l'horizon, juste sous les nuages moutonneux qui avançaient lentement sur la gauche ».

Cette lecture a été une jolie et agréable parenthèse bucolique. Je fus littéralement avec Vincent van Gogh, je l'ai vu vivre dans cette petite ville au charme suranné, l'ai imaginé arpenter les bords de l'Oise avec son carnet de croquis ou son chevalet. Assise à ses côtés lorsqu'il peignait, j'ai ressenti sa singularité, sa rage créative, sa façon très visionnaire de manier le pinceau.
Certains de ses tableaux, dans ce roman, naissent, éclosent, avancent, se terminent, sèchent sous nos yeux, et je profitais du tableau d'ensemble transmis avec brio par les mots d'Alain Yvars pour aller voir ensuite le véritable tableau sur internet. Je me surprenais à grossir les images, pour voir de plus près la technique expliquée par le peintre lui-même. La superbe église d'Auvers-sur-Oise, ses pittoresques chaumières, les ciels dont il fait sa prédilection, aux différentes tonalités de bleu et parfois dentelés d'arbres dressés, les champs de blé melliflus parsemés de coquelicots en petites touches sanglantes, ses multiples portraits de femme…Je les ai tous retrouvés, les ai appréhendés selon une approche nouvelle. Ces traits de couleurs en bâtonnets épais donnent une telle énergie à la représentation, un mouvement, un tourment, une âme, ne faisant pas de ces tableaux de simples reproductions, transformant « cette végétation pacifique en un brasier agressif".

« Les teintes bleues et orangées, accolées, s'harmonisaient parfaitement. Ce n'était pas une simple copie de la nature, j'y voyais une force, un rythme, une vie…Je ressentais l'avancement des nuages, la progression en zigzag des oiseaux, le ploiement des blés sous le vent. Les chemins ondulaient vers un lointain mystérieux ».

Ces explications sensibles et vivantes m'ont émue. Je n'admirerai plus les tableaux de Vincent van Gogh de la même manière désormais. En cela je remercie chaleureusement Alain Yvars, de m'avoir éclairée et, à la différence d'un simple essai ou manuel sur la peinture, la forme romancée convoque également le coeur et pas seulement l'esprit. Il nous dit en 4ème de couverture qu'il est allé à Auvers-sur-Oise où il n'a eu qu'à écouter le peintre. Cela parait si simple et pourtant, pour arriver à une telle empathie, quel travail de recherche (la bibliographie nous le montre), quelle sensibilité, quel amour pour ce peintre et quelle plume ! Oui, il en faut du talent pour arriver ainsi à nous mettre dans la peau de Vincent van Gogh d'une façon si naturelle. L'auteur réussit vraiment à imaginer ce que voyait le peintre. Cela donne un style poétique immersif au centre duquel la nature est omniprésente, où les couleurs règnent en maitre : le bleu, le violet, le jaune, le rouge, des couleurs brutes, intenses, sans mélange, à la cohabitation surprenante. Des couleurs pour ressentir à moins que ce ne soit les sensations mises en couleur, sentiments impétueux, fougueux, explosifs, dont les couleurs seraient les messagères. Influence de l'un sur l'autre et de l'une sur l'autre, la nature guide Van Gogh et semble même être en phase à ses changements d'humeur, étranges prémonitions.

« Avec le mauve restant sur la palette, additionné de vert, je couvris de virgules le devant ombré de l'église qui parut envahi de larves rampantes, grouillantes, s'élançant à l'assaut des murs. Un court instant un nuage rosé surprit mon attention. Il s'accrocha bizarrement au clocher puis s'effilocha dans l'azur. Je changeai de brosse pour les parties claires. J'ensoleillai le pré devant l'église et alignai ensuite verticalement des bâtonnets ocre sur les deux chemins sinueux qui l'encerclaient. le contour des toits fut souligné de lignes claires irrégulières, contrastant avec le ciel sombre ».

Quelques mots sur la présence du peintre dans cette commune. Vincent van Gogh y est venu pour oublier son mal qui l'a tant fait souffrir dans le Sud, mal psychologique, et pour se soigner grâce aux bons soins d'un certain docteur Gachet. Nous voyons un Vincent van Gogh plein d'élans, d'optimisme, volontaire, souvent joyeux, doutant parfois, sensible, passionné par son art, très proche de son frère Théo qui croit en lui et subvient à ses besoins, le peintre n'arrivant pour le moment pas à percer, sa peinture étant très, trop, visionnaire. Mais Théo et sa femme Jo en sont certains : c'est le plus grand peintre du moment, la reconnaissance de son talent ne saurait tarder. Une dispute au sein du couple qui rencontre des soucis financiers va venir saper la confiance fragile retrouvée. Fragile car depuis sa naissance, le petit Vincent traine une blessure originelle : son arrivée au monde est marquée par le deuil d'un frère ainé mort une année plus tôt qu'il va venir remplacer en naissant le même jour que lui et en portant le même prénom. Héritage tragique. Se sentant être devenu un fardeau pour son frère et un peintre raté, il mettra fin à cette situation en se donnant la mort en pleine nature, en plein jour.

« Je me prenais pour un visionnaire, je n'étais qu'un halluciné. Ma peinture n'intéressait personne, à part quelques fous comme moi. Une faillite… ».

Ce livre est également l'occasion de comprendre les influences de van Gogh, ses maîtres à penser, ses affinités dans la peinture, mais aussi en littérature en ce 18ème siècle culturellement très riche. Toulouse-Lautrec, Paul Signac, Pissarro, Monet, Degas, Renoir, Seurat…Impressionnistes et néo-impressionnistes, mais aussi estampes japonaises, les maîtres à penser sont là, évoqués, convoqués, Alain Yvars montrant parfois l'influence de l'un d'entre eux sur tel ou tel tableau. C'est très intéressant.


Alain Yvars réussit avec délicatesse à conter la peinture de Van Gogh, peinture mystérieuse et tourmentée à l'image du peintre, à nous expliquer de façon passionnante son mouvement, son énergie, sa fougue, à travers un style pictural novateur et singulier. En plus de nous présenter un peintre à la fois passionné et fragile dans les dernières semaines de sa vie, il nous offre avec un naturel déconcertant le regard sensible et poétique du peintre d'origine hollandaise. Il le resitue dans son contexte historique mettant en valeur ses influences et mêle à la grande Histoire culturelle, l'histoire intime du peintre. En convoquant le coeur et la raison, ce livre nous permet une immersion culturelle d'une grande richesse et d'une grande poésie.

« La peinture est un combat dont le peintre ne sort pas toujours vainqueur ».

Merci Christèle